버드케이지

아만드와 앨버트의 오랜 관계와 양육을 안정적인 가족의 실체로 보여주고 보수 정치인의 위선을 대비해 1990년대 상업 코미디 안에서 강한 전복성을 만든다.

결국 보수적 이성애 가족의 승인을 얻기 위해 게이 커플이 자신의 집과 행동을 바꿔야 한다는 설정 자체가 정상성의 기준을 충분히 뒤집지 못한다고 볼 수 있다.

과장된 몸짓과 감정, 드래그 공연의 에너지를 숨기지 않고 영화의 정서적 중심으로 만들어 캐릭터의 사랑스러움과 자존심을 동시에 살린다.

여성적인 게이 남성을 과장된 감정과 몸짓으로 표현하는 방식이 오래된 게이 스테레오타입을 반복한다고 느끼는 관객도 있다.

즉흥적 폭발보다 상대 배우를 받아주는 연기로 중심을 잡아 네이선 레인과 진 해크먼의 과장을 살리고 가족의 감정적 현실감을 만든다.

윌리엄스의 자유분방한 코미디를 기대하면 의도적으로 눌린 연기가 아쉽고, 아만드가 아들의 요구를 너무 쉽게 받아들여 캐릭터의 자존심이 약해 보일 수 있다.

아들의 이기적인 요구를 통해 동성애자 부모가 자녀와 사회의 승인을 위해 어떤 모욕을 감수하는지 코미디 안에서 드러낸다.

영화가 상당한 시간을 부모의 자기부정과 위장 자체의 웃음에 쓰기 때문에 상처와 배신감이 충분히 진지하게 다뤄지지 않는다고 느낄 수 있다.

캠프·과장·인종적 말투를 일부러 크게 사용해 보수적 정상성 자체를 우스꽝스럽게 만들고 당시 상업영화에서 보기 드문 퀴어 가시성을 확보한다.

아가도르를 포함한 라틴계·게이 캐릭터의 과장이 현재 관점에서는 대상화와 고정관념을 강화하는 낡은 웃음으로 보일 수 있다.