동주

화려한 시대 재현을 버리고 흑백의 명암과 질감으로 기억과 사진, 식민지 시대의 냉기를 표현해 소재와 형식이 정확히 맞물린다.

미학적 선택의 의미와 별개로 시각적 변화가 적고 화면의 절제가 지속돼 장면의 리듬이 단조롭고 느리게 느껴질 수 있다.

시구를 인물의 내적 독백과 장면 이미지에 겹쳐 활자로 익숙한 시를 영화적 감정과 현재의 경험으로 다시 살아나게 한다.

시 자체가 이미 강한 정서를 지닌 만큼 음악과 이미지에 반복해 포개면 영화가 인물의 감정을 직접 만들기보다 문학의 힘을 빌려 감상을 고조하는 듯하다.

서로 다른 두 청춘을 나란히 놓아 행동하지 못하는 부채감과 문학의 의미, 저항의 여러 방식을 한 인물의 내면 갈등처럼 입체적으로 보여준다.

실제 두 인물의 복잡한 삶을 머뭇거리는 시인과 행동하는 독립운동가라는 선명한 이항 대립으로 정리해 각본의 도식이 인물보다 먼저 보인다.

이미 위인으로 박제된 시인을 완벽한 영웅이 아니라 질투하고 두려워하며 자신을 돌아보는 평범한 청년으로 보여줘 현재 관객과 가깝게 만든다.

동주를 타인의 행동과 평가에 반응하는 수동적 인물로 반복 규정해 시인과 인간 윤동주의 다른 적극성과 복잡성을 충분히 펼치지 못한다.

거대한 항일 액션을 피하고 조용한 일상을 오래 지켜본 덕분에 시대의 억압과 고통이 더 개인적이고 절실하게 다가온다.

후반의 반복되는 심문과 고통, 시 내레이션이 앞선 절제보다 감정 강도를 크게 높여 일부에게는 멜로드라마적 압박으로 느껴진다.